Este es el último Post que cuelgo en el Blog. Las limitaciones técnicas, y mis manías y perfeccionismos patológicos, han originado que haya decidido cambiar de dirección. Ahí veremos novedades como la incorporacion de Trailers, una mejor gestión de las etiquetas, etc.
Espero que los cambios os gusten y que la cosa sea para mejor.
Así, nos vemos en:
SINOPSIS: Un investigador está obsesionado con encontrar una cura para el tumor que padece su esposa. Durante la investigación, descubre una extraña planta que parece rejuvenecer. A partir de ese momento, vivirá pendiente de la cura mientras hace una serie de viajes místicos e imaginarios al pasado y a un futuro incierto.
COMENTARIO: Aunque algunos modernos de pro defienden con fruición la obra de DarenAronofsky, a mi nunca me ha entusiasmado. Su ópera prima Pi ni la entendí ni me interesó lo más mínimo. Réquiem por un sueño, siendo la más digna, me pareció excesiva, desmesurada y hasta algo moralista.
Esta Fuente de la vida no mejora para nada mi opinión inicial del realizador. No le voy a negar su talento a la hora de crear imágenes, ni su capacidad para sacar lo mejor de los actores... pero el bueno de Daren tiene un serio problema a la hora de plantear una narrativa medianamente inteligible. La película, para que lo vamos a negar, está mal enlazada, resulta tedioso, reiterativa y su comprensión es, por decirlo suavemente, complicada. Respecto al argumento, parece que el realizador se ha decantado por una historia Zen y metafísica que, francamente, parece más una de las idas de pinza de Jodorowsky (o de algunos de estos gurús del conocimiento interpersonal).
Un título recomendado para los amantes de la New Age y estas cosas del desarrollo personal.
SINOPSIS: Estamos a principios de los años sesenta. Un grupo de tres amigas de Detroit hacen una prueba en un concurso de talentos. Aunque no resultan ganadoras, son contratadas para actuar junto a la estrella James "Thunder" Early. Tras unos años de giras, el productor Curtys Taylor decide lanzarlas en solitario, dándole el protagonismo a Deena, la más bella del grupo. Ello hará que una de ellas, la gordita Effie, abandone el grupo. Ese será el primer paso hacia el éxito de unos y el olvido de la otra.
COMENTARIO: Bill Condon es un realizador extraño. Este hombre es capaz de perpetrar la horrorosa Candyman 2 y, años después, marcarse una película maravillosa como Dioses y monstruos; dirigir una obra intimista y arriesgada como Kinsey o realizar una superproducción musical basada en una obra de teatro exitosa y protagonizada exclusivamente por actores de color. Esta capacidad de cambiar de registro hace de él una personalidad interesante con una obra a seguir muy de cerca.
La película que nos afecta pretende ser la recreación de la biografía de The Supremes, el grupo que lidero Diana Ross, y de la discográfica Motown que tantas y tantas glorias le dió a la música negra durante los años setenta. Lo cierto es que la cinta, como musical y retrato de una época, funciona a la perfección y resulta sumamente interesante. Ahora bien, la lástima es que el guión es muy superficial, está cargado de tópicos y, en ocasiones, adolece de cualquier tipo de profundidad y credibilidad. Parece que los autores se han preocupado del tema musical, dejando de lado el desarrollo de la historia y afectando con ello al ritmo de una película a la que le sobran unos veinte minutos.
Destacar el papelón de un Eddie Murphy que, cuando quiere, demuestra ser un actor como la copa de un pino.
SINOPSIS: Unos jóvenes acuden a una macro rave que se realiza en un desierto del sur de los Estados Unidos. Unos kilómetros antes de llegar, se quedan tirados en una extraña gasolinera en la que no parece haber nadie. Será el inicio de una noche de pesadilla en la que uno a uno irán sucumbiendo ante un extraño ser que, a tenor de todos los indicios, parece ser la mismísima muerte.
COMENTARIO: De vez en cuando, y por aquello de rellenar las carteleras durante los meses de estío, llegan hasta nuestras pantallas algunos títulos que, si no fuera por la necesidad de los distribuidores de rellenar carteleras, nunca verían la luz. Este es sin duda el caso de Reeker, una modesta serie B que podía haber sido perfectamente en DVD sin que nadie se sorprendiera.
Y lo más curioso del caso es que su director y guionista Dave Payne nos ofrece una propuesta bastante original que se ve lastrada por una puesta en escena muy plana y poco creativa. En definitiva, una película para ver, disfrutar y olvidar con la misma rapidez con la que se deshace un azucarillo en un café aguado.
SINOPSIS: Estamos en un campo de adiestramiento para marines americanos. Ahí los jóvenes son instruidos sin ningún tipo de miramientos por los más duros militares con la finalidad de crear máquinas de matar a los que poder mandar a la Guerra del Vietnam. Esta es la historia de algunos de estos jóvenes y las consecuencias de todo ello.
COMENTARIO: Kubrick trato el tema de la guerra en esta su penúltima película y, como siempre, lo hizo bajo el prisma de la maestría que le caracterizaba. Para el director, el adiestramiento y el lavado de cerebro con siguiente, es el motor que permite a un país tener soldados. Desde la primera imagen de la película, en la que a unos jóvenes se les rapa al cero (con toda la despersonalización que ello implica),hasta el final con la imagen de los soldados cantando una melodía infantil, todo el discurso del film va encaminado hacia una misma dirección. Demostrar que el hombre, en la mayoría de las ocasiones, no es más que un animal irracional que actúa movido por las circunstancias y que, de esa manera, no es capaz de calibrar las consecuencias de sus actos. Sólo cuando lo hace, como el protagonista al matar a la soldado vietnamita, es consciente del complejo, miserable y contradictorio mundo en el que vive.
Un discurso plenamente consecuente con toda su obra que demuestra que el newyorkino era uno de los mejores directores de la historia.
SINOPSIS: Estamos en la España de los años setenta. Dos parejas británicas llegan hasta un pueblecito del norte con la finalidad de pasar unos días de tranquilidad y olvidar las crisis que ambas han pasado en el pasado reciente. Una mañana, los dos hombres salen a cazar para descubrir una cabaña donde vive una niña abandonado y en un estado lamentable. Será el inició de una ola de violencia de la que nadie saldrá ileso.
COMENTARIO: A mediados de los años noventa, en nuestro país apareció una generación de cortometrajistas especializados en cine fantástico que, de alguna manera, supieron aunar referentes cinéfilos, freakismo y ganas de provocar a la hora de manufacturar una serie de películas cuyo interés era innegable. De entre todos ellos, tres nombres destacaron por encima de todos: los de Jaume Balagueró, Nacho Cerdà y Koldo Serra. Con la excepción del primero, que ya tiene cuatro películas en su haber, los otros dos han debutado en la gran pantalla este mismo año con desigual fortuna y ambos de la mano de Filmax.
Mientras Cerdà se decanta con el terror puro y duro con Los abandonados, Serra manufactura un thriller rural que está a medio camino entre Perros de paja, Deliberance y Furtivos... casi nada. Y lo cierto es que el resultado final no está nada mal. A nivel de puesta en escena la peli resulta excelente, con una composición del plano extraordinaria y cuidando cada detalle al milímetro. La cinta da mal rollo, y los conflictos soterrados se detectan a la perfección y son capaces de generarnos una incómoda sensación de desasosiego. El problema es que el guión, en algunos pasajes, resulta algo tópico y previsible. Tal vez se tendría que haber ahondado más en los personajes de los hermanos y entender sus motivaciones. Por lo demás, una excelente película. Además, sale mi admirado Gary Oldman. Para que queremos más.
SINOPSIS: Un grupo de ejecutivos británicos decide pasar un fin de semana en una casa de lujo ubicada en un país del este. Al llegar ahí, comprueban que la casa no es como ellos habían pensado. Poco a poco, todos van siendo exterminados por un grupo de antiguos soldados que parecen haber perdido el juicio.
COMENTARIO: Aunque durante los años cincuenta, sesenta y setenta Inglaterra fue uno de los principales exportadores de cine de terror, tras el cierre definitivo de Hammer Films, son escasas las películas de este género que nos llegan a las carteleras. A pesar de ello, durante los últimos años hemos podido disfrutar de algunos ejemplos que como Dog Soldiers o Deathwatch demuestran que hay realizadores interesados por esto del cine fantástico.
Este Desmembrados es un buen ejemplo. Partiendo de una estructura típica de slasher (para los no iniciados diremos que es el cine de psicópata que persigue incansablemente a sus víctimas; como en la saga Viernes 13, vamos), la cinta nos muestra una historia donde unos ejecutivos de una empresa armamentística son víctimas de los mismos soldados a los que ellos ayudan a armar. Irónica, con sentido del humor y sin escatimar dosis de gore, la peli no es más que una metáfora de la hipocresía de occidente respecto a los conflictos del Este y a los monstruos que, por millones de intereses pueriles, hemos logrado crear entre todos. Vamos, luego nos sorprendemos si unos albano-Kosovares apalean a José Luis Moreno en su casa. Y es que quien recoge tormentas...
SINOPSIS: Unos jóvenes llegan hasta una feria que han instalado en la entrada de su pueblo. Tras asistir a un espectáculo de ocultismo, en el que una bruja les promete que cada uno tendrás aquello que buscan, quieren o merecen, asisten a una atracción de monstruos de feria regentada por un extraño enano. Por la noche deciden entrar en la feria descubriendo secretos con los que no habían soñado.
COMENTARIO: Dentro del cine de bajo presupuesto norteamericano, existen una serie de productoras y realizadores especializados en cine fantástico. Estos, manufacturan películas de bajísimo presupuesto destinadas al mercado del DVD y pensadas para los freaks más incombustibles. Estas cintas, que provocan más risa que miedo, aunque son absolutamente casposas, suelen contar con una rentabilidad que, aunque parezca mentira, resulta incuestionable. Dentro de los directores que se dedican a este tipo de cine, hay un nombre que sobresale por encima de todos: el del ínclito Fred Olen Ray.
La obra de Ray es inenarrable. Títulos como Evil Toons, Hollywood Chaisaw Hookers o La isla de los dinosaurios son, por su desvergüenza, cutrez y falta de cualquier tipo de sentido cinematográfico, auténticas joyas del cine trash; cintas para ser disfrutadas por los paladares menos selectos que piensan que dentro del séptimo arte hay cabida para todo tipo de propuestas.
De la cinta que nos ocupa, lo mejor que podemos decir es que es de las menos malas del director. Ojo!, la película no se sostiene por ningún sitio; pero hay que reconocerle una cierta originalidad en la propuesta y unos efectos especiales algo más elaborados de lo normal. Una película para disfrutar sin prejuicios y echarse unas risas, honenaje a Freaks de Tod Browning incluido.
SINOPSIS: Mientras pasa las vacaciones en casa de sus tíos, Harry Potter sufre el ataque de unos dementores. Tras librarse de ellos gracias a un patronus, es juzgado por uno ilegal de la mafia. Aunque queda absuelto, tras esa maniobra esta la mano del ministerio que niega la existencia de Lord Voldemort y, por ello, quiere acabar con cualquier referencia a él. Mientras en Howards, una nueva profesora llega `para impartir la doctrina del ministerio. Harry y sus amigos decidirán crear una orden del Fénix que, igual que la que en su día fundó Dumbledore, se pueda enfrentar al maligno.
COMENTARIO: Última entrega, por el momento, de las aventuras del mago protagonista de uno de los best sellers más exitosos (y adictivos) de la literatura contemporánea. Para adaptar el volumen más extenso de la saga, los productores decidieron contar con el televisivo David Yates, un hombre que muestra una indiscutible eficacia tras la cámara, pero que le quita a la historia cualquier atisbo de personalidad y creatividad. la película funciona por que la historia lo hace, pero los fans de la saga esperábamos algo mucho más consistente. Es una lástima que los productores no cedan las riendas a realizadores que, como hizo Alfonso Cuarón en la tercera entrega, le otorguen a la historia un poquito más de consistencia formal.
En definitiva, un film que no molesta pero que tampoco destaca por nada especial.
SINOPSIS: Adaptación de una serie de relatos de Quim Monzó que nos hablan sobre las grandezas, extrañezas, miserias, lugares comunes, alegrías, desencantos y profundas contradicciones que padecemos los seres humanos.
COMENTARIO: Ventura Pons es el director de cine que mejor ha retratado el alma de Barcelona. Si el día de mañana quisiéramos conocer como ha sido nuestra ciudad (si, esa misma que una serie de políticos burgueses, grises e incompetentes, que nunca han entendido la verdadera esencia de la ciudad, se están cargando poco a poco) a lo largo de los últimos treinta años, las películas de Ventura representarían un referente claro y diáfano. Desde su ópera prima, Ocaña retrato intermitente, hasta su último título, Barcelona (un mapa), el realizador ha sabido tomar el pulso a la ciudad y reflejar las profundas contradicciones de sus habitantes y la vida que bate bajo sus calles; una muestra, por otro lado, de que la ama y entiende como nadie.
A pesar de la irregularidad de su carrera, Ventura ha demostrado ser mucho mejor adaptador que creador de guiones originales. Esta circunstancia se vio claramente a partir del año 1995 cuando presenta en sociedad El perqué de tot plegat.
Partiendo de un material excelente, el autor otorga a cada historia una puesta en escena ajustada y adecuada que, en todo momento, enriquece la base del discurso. Tal vez por ello la película no sólo logra provocar perplejidad y dejarnos una media sonrisa helada en los labios, sino también logra fascinarnos con sus imágenes y dejarnos en todo momento claro que, aunque este es un material literario, lo que nos cautiva son esas imagenes que muestran escenas tan patéticos como la vida real misma.
SINOPSIS: Hace muchos siglos, dos razas alienígenas de robots, los Autobots y los Decepticons, empezaron una guerra por el destino del universo. Tras perder un valioso objeto, ambos bandos se disgregaron por el espacio. En la actualidad, la clave para encontrar dicho objeto (un cubo de poder) la tiene un joven llamado Sam Witwicky, por lo que ambos bandos acurirán hasta él. La batalla será de proporciones épicas.
COMENTARIO: Con los Transformers, el bueno de Michael Bay se marca otro producto típico de la casa. Esto es: efectos espaciales de primera, acción a raudales, montaje fragmentado y sustentado en planos de cortísima duración, excelente fotografía, una banda sonora épica (y calcada a la de sus anteriores películas) y, en definitiva, entretenimiento a raudales para paladares poco exigentes. Una película que, como esta, es superficial, distrae, pasa como un suspiro y se olvida con la misma rapidez: ¿es buena o mala? Hombre, una obra maestra, la verdad, no lo es; lo que si resulta es un buen ejemplo de cine comercial, pensado para empatar a los espectadores a través de unos personajes muy conocidos y hecho con calidad.
Ello me da pie a una reflexión: ¿No es un Michael Bay un autor con todos los derechos? Digo eso por que su estilo narrativo es reconocible y reconocido, sus intereses coincidentes y su forma de entender la realidad, por más simple que nos parezca, resulta absolutamente cohesionada en todas sus películas. Interesante debate este sobre las autorías en el cine comercial de consumo masivo y palomitero.
SINOPSIS: Un extraño avión llega a un aeropuerto. Una vez las autoridades están en la pista, del aparato descienden una serie de zombies sedientos de sangre que intentan acabar con todo vestigio de humanidad. Las autoridades militares no podrán hacer nada para acabar con la invasión.
COMENTARIO: Caspa a raudales es lo único que nos ofrece esta película del italiano Umberto Lenzi. La verdad es que uno no puede dejar de sorprenderse ante tal acto de cutrez y de psicotronía como el que ofrece esta película. Lo más curioso de todo es que entre sus fotogramas podemos ver a actores como Paco Rabal y Mel Ferrer que, seguramente, intentarón llegar a fin de mes participando en este engendro sólo recomendado para echar unas risas. Hay algunas escenas para pasar a la antología del cine como esa en la que el cirujano lanza un bisturí, cual artista circense, a un zombie; de verdad, que es verla para creerla. Por lo demás, maquillajes de saldo, desnudos gratuitos, actores pésimos, presupuesto cero y toda una serie de despropósitos que harán de este un espectáculo inigualable.
Para verla bajo los efectos de alguna de esas sustancias que tanta risa proporciona.
SINOPSIS: La imagen de los seis marines que levantan una bandera de los Estados Unidos sobre el monte Suribachi, pocos días después de haber empezado la encarnizada batalla por la guarnición japonesa de Iwo Jima, es una de las imágenes mas representativas de la Guerra del Pacífico que enfrentó a los Estados Unidos contra Japón. Las autoridades se dan cuenta de esta realidad e intentan aprovechar la ola de sentimiento que la foto inspira. Por ello, los “izadores de la bandera” que todavía quedan vivos son retirados del combate y enviados a casa para continuar sirviendo a su país, no en el campo de batalla, sino entre multitud de fervorosas masas reunidas para estar cerca de "verdaderos héroes” y extender unos talones extremadamente necesarios para financiar el esfuerzo bélico. Pero en su interior sienten que, al igual que sus amigos y hermanos caídos en combate, una parte de sus almas nunca abandonará las negras arenas de Iwo Jima. Es el drama de tres hombres que perdieron algo más que sus amigos en una absurda y cruenta guerra.
COMENTARIO: A lo largo de la historia del cine encontramos infinidad de películas con un discurso marcadamente antibelicista. Algunas de ellas son lúcidas y brillantes, mientras que otras caen en la demagogia más banal y gratuita. Eso es algo que nos llama poderosamente la atención, ya que la guerra es una monstruosidad que no se puede justificar bajo ninguna circunstancia… por muy afín a nosotros que sea la ideología que la respalde. Hoy en día, cuando las ideas no se debaten a partir de la reflexión y el análisis intelectual sino a través de la política más simplista y estereotipada, es necesario recordar que hay determinadas realidades cuyo rechazo ha de ser tan enérgico como unánime.
La primera película antibelicista de la historia del cine fue la obra maestra de King Vidor El gran desfile. En ella se nos narra el descenso a los infiernos de un joven de familia acomodada que ve como sus sueños e ilusiones son truncados en medio en las trincheras de la Primera Guerra Mundial. Desde esa lejana fecha hasta la actualidad, muchos han sido los directores que nos han querido mostrar las consecuencias de los conflictos bélicos. Gracias a estas películas, los espectadores hemos podido descubrir los horrores y el sufrimiento que somos capaces de provocarnos unos seres humanos a otros.
Algunos profesionales de la educación consideran que, a la hora de trabajar con el cine determinadas temáticas complejas y susceptibles de herir sensibilidades, no es aconsejable utilizar películas que reflejen el problema de forma directa, que muestren, en definitiva, la dura y cruda realidad. Estos educadores creen que la intervención pedagógica se puede llevar a cabo con la misma eficacia desde un punto de vista más colateral y periférico. No vamos a ser nosotros los que discutamos tales planteamientos, y menos con determinados grupos de edad; pero como personas que creemos que los cambios que provoca el cine viene dados, fundamentalmente, a partir de las repercusiones que sobre nuestras emociones tienen los fotogramas en movimiento, pensamos que hay cosas a las que hay que llamar por su nombre. Y la guerra es una de ellas.
Lo interesante de Banderas de nuestros padres es que trata el problema desde todos los puntos de vista: el bélico, el humano, el político y el social. En la película vemos el efecto de las balas sobre los soldados; el dolor que provocan están perdidas en amigos y familiares; la manipulación interesada que los políticos hacen de todo ello; las consecuencias que estas inferencias del poder tienen sobre una masa de ciudadanos que se mueven a partir de sus emociones más primraias. Y en medio de todo ello, como eje vertebrador del relato, están las vidas de unos jóvenes que sólo luchan por salvar sus vidas y por defender un país para el que son, como sucede en todas las guerras, las prescindibles herramientas de un complejo y retorcido juego de intereses.
Los que creemos que la paz es un valor que se ha de trabajar y potenciar desde todos los ámbitos de nuestra la sociedad, y durante todos los años de nuestra vida, podemos encontrar en esta cinta un recurso didáctico de primera magnitud. Pocas veces nos encontraremos con un film tan brillante artísticamente, con un discurso tan radicalmente actual y que, encima, ponga sobre la mesa temas tan trascendentes como la defensa de la solidaridad humana; la bien y la mal entendida. Esta es una película cuyo discurso, aunque inmerso dentro de una mentalidad típicamente norteamericana, tenemos que suscribir y defender.
Banderas de nuestros padres es un film que, en su sencillez, nos presenta innumerable matices. Algo que sólo se puede entender desde la complejidad de una realidad tan cambiante y voluble como la nuestra.
SINOPSIS: Estamos en Norteamérica antes de la llegada de Colón. Ahí, una mujer india encuentra a un niño vikingo que es el único superviviente de un barco. Quince años después, el niño se ha hecho un hombre y vive entre los indios. Todo cambia cuando unos sanguinarios vikingos masacran a su pueblo y el clama venganza contra ellos.
COMENTARIO: En el año 1987 una película noruega titulada El guía del desfiladero se alzó con el Oscar a la mejor cinta de habla no inglesa. En ella se nos narraba, en lengua lapona, la odisea de un joven que tiene que sobrevivir contra un grupo de desalmados que han acabado con sus padres y a los que tiene que guiar por una escarpada montaña. El moderado éxito de la cinta hizo que desde Hollywood se compraran los derechos para hacer un remake norteamericano.
Por circunstancias varias, este no ha llegado a las pantallas hasta veinte años después. En este caso la acción está ambientada en Norteamérica y los malos son vikingos que llegan desde Groenlandia. La película en si no es que tenga demasiado interés, ya que es cine de acción sin demasiadas pretensiones. Lo destacable es la puesta en escena del alemán Marcus Nispel que, con el remake de La matanza de Texas, ya había demostrado su portentosa capacidad para crear imágenes. Así, la cinta es un entretenimiento sin demasiadas pretensiones, con imágenes bellas y violentas y con un portentoso diseño de producción. Habrá que ver de lo que será capaz el bueno de Nispel cuando le ofrezcan un guión con cara y ojos.
SINOPSIS: Harold Crick es un gris funcionario de hacienda que vive una vida monótona y aburrida en la que nunca pasa nada. Un buen día todo cambia cuando descubre que una voz de mujer describe cada uno de los actos que lleva a cabo. Un buen día esa misma voz le dice que va a morir. Desesperado, acude hasta una psiquiatra que, tras diagnosticarle esquizofrenia, le remite a un profesor de literatura. Este le indica que el forma parte de una obra literaria y que ha de localizar a la autora e intentar cambiar su destino.
COMENTARIO: Uno de los films más atrevidos, originales e innovadores que uno a tenido la ocasión de ver durante este año. Dirigida por el interesante Marc Foster e interpretada por un irreconocible Will Ferrell, la película es un ejercicio de metalenguaje literario en el que se reflexiona sobre el acto de la creación, la responsabilidad del autor con sus personajes y en como a veces las concesiones, simplemente, ayudan a que las personas seamos un poco más felices. La narración fluye con una naturalidad increíble y en todo momento somos capaces de ponernos en la piel de este pobre hombre que ve como no controla ni su vida ni su destino.
La película cuenta con un falso final feliz que es toda una declaración de intenciones por parte del autor: a veces el cine, o las emociones que desprende el cine, han de estar supeditadas a nosotros que, como espectadores, dejamos unos minutos de nuestra vida ante la gran pantalla con la única finalidad de sentirnos un poco más felices a la salida.
Una gran película.
SINOPSIS: Anna trabaja como enfermera en un hospital de Londres. Un día llega hasta su consulta una joven embarazada que pierde el niño. De la muchacha sólo queda un diario y la tarjeta de un restaurante ruso. Anna irá hasta ahí para descubrir que el propietario es Semyon, uno de los mafiosos rusos más importantes de Londres. El hombre le pide el diario y le amenaza de forma sibilina si no se lo da. Como chofer del mafioso está el enigmático Nikolai, un hombre que esconde mucho más de lo que parece.
COMENTARIO: El canadiense David Cronomberg es un director francamente atípico. Tras trabajar en televisión al principio de su carrera, en 1975 se dio a conocer al gran público con una película de terror titulada Vinieron de dentro de... A partir de ese momento el realizador se convirtió en uno de los nombres más importantes del fantástico de calidad con títulos como Rabia (1977), Scaners (1981), Videodrome (1983) o La Mosca (1986). Máximo representante de lo que se ha venido en llamar la nueva carne (un concepto donde lo orgánico se junta con lo inorgánico en un universo donde los límites entre realidad y ficción son tan difusos como inabarcables).
Esta primera etapa a mi me interesa de forma relativa, ya que si bien algunas de sus películas son excelentes, con otras no puedo quitarme de encima la idea de que el realizador es un pelín chapucero... eso por no contar que hay otras que, sencillamente, para entenderlas necesitas un manual de instrucciones.
A partir del estreno de la magistral Inseparables en 1988, la obra de Cronomberg se diversifica. Por un lado una serie de títulos que como MButterfly o Crash, muestran a un realizador interesado por retratar las miserias humanas; y por otro películas como eXistenZ o Spider siguen con el rollo de la nueva carne a través de historias cada día menos interesantes y difíciles de entender.
Pero la obra de Cronemberg daría un giro de 180 grados a partir del estreno de Una historia de violencia y que confirmaría con esta obra maestra titulada Promesas del este. Aquí el director se deja de chorradas trascendentes, y se dedica a retratar las miserias del alma humana de forma increíblemente precisa. Con un estilo cada día más sobrio y depurado, con una capacidad inimitable para mostrar una violencia física y descarnada y con el soporte de un actor de la talla de Vigo Mortensen (a ver si alguien se da cuenta de que es uno de los mejores de su generación), la película discurre ante nuestros ojos provocándonos una sensación de fascinación, irrealidad y desesperación, como sólo son capaces de hacer los grandes realizadores. El realizador ha alcanzado la madurez suficiente para saber como hacer emanar emociones desde la pantalla.
El suyo es un interés real por demostrar que, por difícil que sea el camino, todavía queda esperanza en este mundo (la figura del bebé), pero que el pasado, el presente y el futuro nos arrastra de forma irremisible y condicionan nuestras decisiones.
Una de las mejores películas del año.
SINOPSIS: Unas chicas de vacaciones en Italia deciden ir, tras ser convencidas por una modelo, de viaje hasta Eslovenia donde podrán gozar de fiesta y balnearios a un módico precio. Una vez alojadas en un hostal, empiezan a disfrutar de la ciudad. Lo que no saben es que han entrado de lleno en una red dedicada a proporcionar personas a sádicos asesinos que pagan por ellas.
COMENTARIO: En el año 2005 se estrenó en todo el mundo una película que, sorprendentemente, funcionó a las mil maravillas en taquilla. Su título era Hostel y su argumento bien simple: unos jóvenes norteamericanos viajan hasta Eslovenia para encontrarse con una red de sádicos asesinos. La gracia de la película era mostrar unos crímenes atroces sin escatimar ni un ápice de sangre y truculencia. La película, dirigida por Eli Roth, un hombre que había sorprendido unos años antes con la interesante Cabin Fever, no estaba del todo mal y tenía momentos interesantes.
Sólo dos años después nos llega la secuela. Y de ella bien poco podemos decir, ya que más bien parece un remake de la primera en la que se han cambiado los protagonistas masculinos por femeninos y se han rebajado las dosis de desnudos. A parte de este detalle, la película ofrece más de lo mismo con menos gracia e interés. Sólo para completistas.
SINOPSIS: Robert Neville es el último hombre vivo sobre la faz de la tierra. Tras una plaga que ha acabado con todos los habitantes, Neville recorre las calles de Nueva York en compañía de su perro con la vana esperanza de encontrar a alguien. El problema es que el mismo virus a mutado a algunos seres humanos en una especie de vampiros nocturnos que salen a cazar de noche y de los que tiene que huir.
COMENTARIO: Nueva adaptación de la novela de Richard Matheson "Soy leyenda" protagonizada por la estrella afroamericana Will Smith. Hemos de reconocer que este actor ha sabido evolucionar muy bien y ha llevado una de las carreras más inteligentes del Hollywood actual. Desde los tiempos de El Príncipe de Bell Air hasta la actualidad, Smith ha ido dando pequeños pasos a través de films comerciales pero que tuvieran unos mínimos de calidad. Así, ahora se encuentra en lo más alto y es capaz de acaparra el protagonismo absoluto en esta su última película.
Respecto a la película, decir que es bastante más digna de lo que muchos nos han querido hacer ver. Su primera hora es excelente, retratando a la perfección la soledad y la angustia del personaje en una Nueva York magníficamente recreada como una isla de soledad y desolación. La cosa baja enteros durante su media hora final, con la aparición del personaje de Anna, que provoca una resolución francamente ridícula y que contrasta mucho con el tono depresivo y tristón de la cinta. Por cierto, los FX digitales son bastante cutres y cantan como una almeja. Sin duda, hubiera sido mucho más efectivo si se hubiera recurrido a actores maquillados.
SINOPSIS: Marie, una actriz británica que vive en los Estados Unidos, recibe una llamada desde Rusia, su país de origen, en el que le comunican que ha heredado la granja de su madre fallecida en extrañas circunstancias. Una vez ahí, y tras recorrer un largo camino, llega hasta una casa donde descubre que tiene un hermano gemelo al que le han comunicado lo mismo que a ella. En la casa descubrirá un horror desconocido y relacionado con su misterioso pasado.
COMENTARIO: Nacho Cerdà se dio a conocer entre los aficionados gracias a un enfermizo corto rodado en 1994 y titulado Aftermath. En esta película asistíamos a una sesión megarealista de medicina forense que, bajo los acordes del Réquiem de Mozart, no escatimaba ningún tipo de detalle escabroso. Su siguiente corto, Génesis, recibió múltiples premios en festivales internacionales y le consagró como una de las mayores promesas del cine fantástico español.
Su ópera prima no llegaría hasta este 2007, cuando Filmax le produce un film pensado para el mercado internacional. Estrenada en los Estados Unidos antes que en España, la película no acabó de cuajar entre el público norteamericano. Una vez vista, se ha de reconocer la capacidad del director para crear imágenes inquietantes, lo cual denota mucho oficio para un debutante. Pero el gran problema es que la historia cojea considerablemente. Nunca había visto un ejemplo tan claro de cinta que, con un corto de veinte minutos, se hubiera resuelto a la perfección. La historia no da para mucho, y el director la estira de forma innecesaria volviéndola reiterativa y perdiendo por completo la chispa. Eso si, tiene algunos sustos excelente.
Una cinta regular realizada por un director que puede dar mucho que hablar (con una historia mejor, eso si).
SINOPSIS: Tras una extraña plaga provocada por un virus, sólo un hombre ha quedado vivo en el mundo: el científico Robert Neville. El problema es que no esta sólo del todo, ya que por la noche la ciudad es ocupada por una extraña secta de mutantes dispuestos a fulminar cualquier vestigio de civilización que quede en el mundo. Un día, por casualidad, Neville encuentra a una mujer no contaminada que le muestra que todavía quedan algunos supervivientes.
COMENTARIO: Un clásico de la ciencia ficción de los años ochenta que, lejos de envejecer, gana enteros en cada nuevo visionado. Basada en la novela de Richard Matheson "La noche de los trífidos" y dirigida por el competente Boris Segal, la cinta logra crear en los espectadores una sensación de tristeza e inquietud absolutamente incuestionable. A pesar de los tics habituales de los años sesenta (zooms, teleobjetivos, iluminación apagada), la película es dinámica, entretenida, profundiza sobre aspectos interesantes en la relación de los seres humanos y, además, cuenta con una buena interpretación del limitado Charlton Heston.
Como curiosidad diremos que la novela tiene una versión italiana de 1964 protagonizada por el magistral Vincent Price y la reciente Soy leyenda al servicio de Will Smith que, como no puede ser de otra manera, comentaremos en breve.
SINOPSIS: Tras leer un extraño libro, el anodino Walter Sparow empieza a obsesionarse con el número 23. En la novela se tratan una serie de misteriosos asesinatos que empiezan a traer recuerdos a la mente de Sparow que empieza a ver como peligra su relación con su mujer e hijo. El misterio estará en lo más profundo de su mente.
COMENTARIO: Joel Schumacher es un director ciertamente atípico. Tras trabajar como diseñador de vestuario y dirigir alguna TV movie, debuta en la dirección en 1981 con la serie B La increíble mujer menguante. Tras dirigir la interesante St Elmo punto de encuentro, se especializa en un cine comercial interpretado por las estrellas juveniles del momento (Julia Roberts, Kiefer Sutherland, Kevin Bacon...) En el año 1993 dirige Un dia de Furia, una película que le daría un cierto prestigio crítico y le definiría como un director comercial pero con un cierto estilo personal. Todo ello lo perderá con Batman Forever y Batman y Robín, dos desastres que desvirtuaban todo lo bueno hecho por Tim Burton en las dos primeras películas del murciélago y mostraban una extraña tendencia filogay del director por los colores fluorescentes y los uniformes con pezones. A partir de ese momento el director intenta encauzar su carrera con proyectos más personales que van desde lo interesante (Tideland), a lo correcto (El fantasma de la ópera) o directamente a lo fallido (9 mm).
Desgraciadamente El número 23 entraría de lleno en esa categoría. La película es un pequeño fiasco en la que ni el guión, muy confuso, ni la puesta en escena, rutinaria y sin chispa, ayudan a la historia. Esta es una película que pretende despertar la inquietud en los espectadores y que sólo logra aburrirlos y que no entendamos nada de nada. Lo único destacado son las interpretaciones, resaltando a un Jim Carrey que cada día que pasa demuestra, para aquellos incrédulos que todavía puedan quedar en el mundo, que es uno de los mejores actores que tenemos en la actualidad.
SINOPSIS: Los cuatro fantásticos se han convertido en unas auténticas celebridades en la ciudad de Nueva York. Su fama y sentido del deber ha propiciado que la boda entre Reed y Susan se haya tenido que aplazar unas cuantas veces. Cuando parece que será la definitiva, un extraño fenómeno asola al mundo creando unos extraños cambios climáticos. Pronto descubren que el causante de todo es un extraño nurfista de plata cuyas intenciones no son nada claras.
COMENTARIO: Tras el moderado éxito de la primera parte de las aventuras de los entrañables Cuatro Fantásticos, los productores inmediatamente pensaron aprovechar el filón con una secuela. Para ello se contó con el mismo equipo, se aumentó ligeramente el presupuesto y se puso de nuevo al frente al director afroamericano Tim Story. El resultado es una película que, a pesar de los varapalos que le ha dado la crítica, es sumamente entretenida y ofrece aquello que promete: una hora y media de entretenimiento y efectos especiales. Desde el inicio, los responsables se han planteado dirigir la franquicia a un público eminentemente familiar y, por ello, potencian la aventura, el humor grueso y la espectacularidad de los efectos especiales. Un film digno, divertido y que no molesta en ningún momento.
Cine comercial puro y duro sin pretensiones. Así hay que entenderlo (y disfrutarlo).
SINOPSIS: Wallace y Gromit han encontrado un lucrativo negocio: cuidar de las impresionantes verduras que están cultivando los vecinos de su ciudad. El motivo de esta preocupación es una extraña plaga de conejos que está asolando las verduras y que impedirá que uno de los ciudadanos gane el premio que todos los años convoca Lady Tottington. El problema es que un experimento de Wallace sale mal y un extraño conejo gigantesco esta sembrando el caos en las calles.
COMENTARIO: En el año 1977 los británicos Nick Park y Peter Lord creó una curiosa productora de animación llamada Aardman Animations. Tras unos años difíciles, en 1989 estrenan la que sería ala primera producción que les daría a conocer: Creature Comforts. la principal característica de la compañía es que su animación estaba basada en la técnica de Stop Motion (animación fotograma a fotograma) de personajes hechos de plastilina. Ese mismo año, sacan a la luz un cortometraje titulado A gran day out with Wallce and Gromit, en el que se presenta en sociedad a los dos personajes que serían santo y seña de la casa: el genio despistado y adicto al queso Wallace y su silencioso e inteligente perro Gromit. Los cortos de los dos personajes empiezan a dar mucho que hablar en todo el mundo. Su calidad, un innegable talento para diseñar personajes y las historias increíbles, con muchas referencias a la cultura pop, son su marca de fábrica.
El prestigio de la compañía hace que en el año 2000 la Dreamworks de Spielberg y compañía les encargue una película. El resultado fue la genial y divertidísima Evasión en la granja, una historia de gallinas que sólo sueñan con fugarse del corral en el que están hacinadas. El éxito de la cinta hizo que los creadores se plantearan llevar a la gran pantalla a sus personajes más carismáticos.
La Maldición de las verduras es, digámoslo ya, una obra maestra de la animación moderna. Así contrario de lo que ha sucedido con otras franquicias animadas cuando han sido llevadas a la gran pantalla (como Los Simpson), los autores no se han limitado a alargar un capítulo, sino que han sabido dar forma a una historia increíblemente surrealista pero que, a la vez, mantiene y enriquece la esencia de los personajes. Las situaciones son hilarantes, los personajes entrañables y uno no puede menos que felicitarse por la apuesta de los autores hacia una animación tradicional que ello, para que lo vamos a negar, manejan a la perfección.
Una película que ha de estar en cualquier estantería de los amantes al cine de animación.
Sinopsis: Jigsaw esta al borde de la muerte. Con la ayuda de Amanda, secuestra a la doctora Lynn, cuya vida durará lo mismo que la suya. A partir de ahí, Jigsaw emprende un retorcido plan en el que está implicado todo el mundo y el que nada es lo que parece. Incluso para su fiel y desquiciada Amanda.
Comentario: En el año 2004 una pequeña película de terror de serie B, logró cautivar a las plateas de medio mundo. Su título era Saw y sus responsables unos novatos recién llegados al mundo del cine llamados James Wang y Leig Whannell. La mayor virtud de la película era presentar un guión ingenioso, lleno de giros inesperados en el que nada era lo que parecía. Ello unido a unas violentas y creativas muertes, hicieron que la película recaudara más de 55 millones de dólares sólo en los USA (sólo había costado 1.200.000 dólares). Saw dio inició a un subgénero conocido como Hardgore (o pornogore) y su éxito motivó la aparición de 3 secuelas en el breve plazo de cuatro años.
Lo malo de la tercera parte de una película como Saw es que la originalidad llega un momento que se acaba. Si, las muertes son creativas, las situaciones originales y los giros sorprenden; pero la gracia ya se ha perdido y en todo momento tenemos la sensación de que, en el fondo, nos están dando más de lo mismo.
Como película es entretenida, no lo vamos a negar. Ahora bien, la gracia y la capacidad de sorprender ya hace algunos años que se perdió.
SINOPSIS: Una pareja de reporteros de una televisión local deciden seguir a unos bomberos durante una jornada nocturna. Tras recibir un aviso de alarma rutinario, se trasladan hasta un edificio del centro de la ciudad donde se les informa que de un piso salen rudos extraños. Al entrar, descubren que ahí habita una mujer que parece poseida por una extraña rabia. Será el inicio de una lucha por la supervivencia dentro de un edificio infestado de zombies y aislado por las autoridades.
COMENTARIO: Una de las películas más brillantes de cuatas ha dado el cine fantástico español a lo largo de su historia. Dirigida a cuatro manos entre Paco Plaza y Jaume Balagueró, la cinta sigue la técnica del falso reportaje. Esta opción narrativa se muestra muy acertada ya que los realizadores logran una atrmósfera opresiva, enfermiza y angustiante que logra trasmitir un mal rollo considerable. La película no basa el terror en los sustos (aunque los tenga, y buenos), sino en lo malsano de las imágenes, la expontaneidad de las interpretaciones y la capacidad para desconcertar a unos espectadores que desconocemos por completo lo que pasa. Una propuesta tan original como recomendable que no nos hemos de perder por nada del mundo.
Es necesario destacar que películas como esta demuestran que el cine español puede ser tan competitivo como el que más; es obvio que el público no entiende de nacionalidades sino de productos atractivos. El día que nuestra industria deje de lado a determinadas vacas sagradas que ya no tiene nada que decir y a los pseudo intelectuales que sólo saben mirarse al ombligo, nuestro cine volverá a contar con el favor del público. Eso, hoy por hoy, sólo parecen haberlo entendido productores como Julio Fernández con Filmax, cuya tarea en pro de buscar un tejido industrial sólido para el cine español, tendrá que ser reconocida tarde o temprano.
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